Niccolò Pasqualetti 2026秋冬系列

巴黎时装周的日程上，总有一些名字让人忍不住多看几眼。3月8日，东京宫（Palais de Tokyo）粗犷的混凝土空间内，意大利设计师Niccolò Pasqualetti带来了他的2026秋冬成衣系列。这不是一场关于“爆款”的发布会，而是一场关于“身体与精神如何通过服装对话”的沉思。

一、一座献给身体的“庙宇”

秀场位于东京宫那标志性的、未经修饰的混凝土长廊中。裸露的墙面、冷峻的质感、不加掩饰的工业气息——这个空间本身就在诉说一件事：剥离一切装饰之后，还剩下什么？

Pasqualetti给出的答案是：身体。

“身体本身变成了一座庙宇，”设计师在秀后这样解释自己的创作哲学。“材料围绕着它弯曲、扭转、塑形。”这个系列被定义为对“物理身体与空灵存在之间关系”的探索——服装不再是覆盖在身体之上的独立物件，而是从身体上生长出来、缠绕着身体、保护着身体的某种存在。

这种思考方式，与Pasqualetti的成长路径息息相关。这位出生于托斯卡纳乡村的设计师，曾在威尼斯学习建筑，后赴伦敦中央圣马丁学院攻读女装硕士。建筑学的训练让他对“结构”有着天然的敏感；而圣马丁的熏陶则赋予了他将结构转化为诗意的能力。2021年创立同名品牌后，他先后荣获Franca Sozzani奖和Camera Moda时尚信托奖，并成为LVMH Prize的半决赛入围者。这一季，他将建筑师的视角与雕塑家的手感合二为一，在东京宫的混凝土空间中，完成了一次对身体的致敬。

二、雕塑家的黏土：廓形即语言

“服装就像雕塑家手中的黏土，”Pasqualetti在后台这样说道。“一切始于体积与质感，其余的随之而来。”

这种“雕塑先行”的方法论，在本季的廓形中得到了最直接的体现。风衣、白衬衫、T恤、精裁长裤——这些意大利衣橱中最经典的原型，被逐一拆解、重组。远观时，它们呈现出自信的前卫轮廓；近看时，则暴露出更为刁钻复杂的一面：衣物扭曲、折叠，偶尔甚至超越了人们对“一件衣服”的预期。

背部带有垂坠褶皱的雕塑感半身裙，搭配被重新诠释的白衬衫。一件由歪斜T恤和一条可开可合的半身裙组装而成的连衣裙尤为出众——它既可作连衣裙穿着，也能化作大衣罩在西装裤外，或介于两者之间自由游走。

不对称是贯穿始终的设计语言。夹克、大衣与其他精裁单品的线条微微偏离轴线。一件独袖针织衫套在挺括的白衬衫外，另一侧的袖子则如围巾般向前飘垂。这种“一只袖子穿进去，一只袖子脱出来”的穿法，像是在进行一场关于服装的幽默游戏。反褶设计被置于外套、连衣裙与半身裙的背部，创造出茧型的体积感，将服装微微抬离身体，在增加体量的同时保持了轻盈。

这种处理方式让人想起Pasqualetti对自己的概括——“精神上的极简主义，好奇心上的 maximalism”。廓形本身是克制的，但廓形内部的可能性是无限的。

三、材质的炼金术：当丝绸变成皮毛

如果说廓形是骨架，那么材质就是本季的血液。而Pasqualetti在材质上的实验，几乎达到了一种炼金术般的境界。

丝绸被处理得如同皮毛。棉花经过染色工艺，呈现出如同新鲜挖掘的泥土般的质感。长毛绒麂皮在视觉上随着穿着者的动作而流转。颗粒感的小牛皮提供了结构与重量，而饰以铆钉的柔软羊羔皮则在表面引入了克制的张力。变形的提花织物打破了编织图案的预期节奏。密集的亮片则创造出对光线敏锐反应的反射表面。

这些技术处理彻底重塑了人们对面料的感知。每一件服装都更接近一种“原初的物质语言”——不再是“面料”，而是从土地中挖掘出来的某种东西。

色彩同样服务于这种“原初感”。深红色与苔藓绿相邻，锈橙色与深蓝交织。这些色调唤起自然环境的记忆——森林、泥土、矿石、暮色——为整个系列注入了视觉的密度与情感的深度。

四、当金属成为身体的延伸

作为一位拥有并行珠宝设计师生涯的创作者，Pasqualetti对“身体珠宝”的理解远超传统配饰的范畴。

本季，金属元素不再只是装饰，而成为服装不可分割的一部分。柔韧的银色金属装饰缠绕于面料之上：一道金属卷须攀上不对称连衣裙的袖子，另一道滑过衬衫裙的躯干。精致的银色结构束紧了一件白色府绸百褶半裙与配套衬衣的腰身。

细金属丝线环绕于颈部、躯干与手臂。这些雕塑般的元素既像是保护身体的护盾，又如同珠宝般的装饰。它们在静止时呈现为坚硬的物体，一旦随着身体移动，便软化为流动的形态，紧贴穿着者的轮廓。可拆卸的弧形铝板被嵌入服装之中，可以移除或重新定位，将服装推向“衣物”与“物件”之间的模糊地带。

这种对金属的处理方式，呼应了Pasqualetti对“材质与光线”的持续迷恋。那些闪烁着奇异光泽的金属结构，读起来像盔甲，却又带着一种近乎脆弱的精致感。

五、无性别的未来：一套衣橱，无数种可能

本季的另一大亮点，是无性别设计理念的全面贯彻。

系列同时涵盖男装与女装，但性别标签在这里几乎失效。高腰男裤在膝盖处被切开，转化为分段式的裤裙 hybrids。女装长裙被割开并缠绕于腿部。西装的利落与胸衣的柔美共生，工装的硬朗与丝绸的轻盈相融。

Pasqualetti消解了着装的二元定义。他的服装不询问“你是谁”，而是邀请你问自己“你今天想成为谁”。这种设计理念反映了当代人在生活中自由切换身份的现实写照——服装不再定义性别，性别也不再定义服装。

即便是系列中最隆重的时刻——覆盖着银色或浅桃色亮片的长款礼服——Pasqualetti也选择用平底靴或经典布洛克鞋来搭配，而非传统的高跟鞋。他将华丽牢牢地锚定在地面上，提醒我们：即便是在最 glamorous 的时刻，服装依然属于生活本身。

六、从托斯卡纳到巴黎：一种可持续的野心

Pasqualetti的创作并非凭空而来。他出生于托斯卡纳，在乡村长大。他的工坊至今仍设在意大利，所有服装均在意大利生产。

在Stella McCartney奖学金的支持下，Pasqualetti一直将可持续性作为指导哲学。本季部分皮革外套采用库存皮革制作。这种对“已有之物”的尊重，与他“从意大利衣橱经典出发”的设计方法一脉相承——不是不断创造新的事物，而是重新发现被遗忘的、被忽视的、静默存在的东西。

“Minimalist in spirit but maximalist in curiosity”——精神上的极简，好奇心上的丰盛。这句话或许是对Niccolò Pasqualetti最精准的概括。他不追求喧嚣的视觉冲击，而是在每一个细节中埋下值得反复观看的线索。

在东京宫那不加修饰的混凝土空间里，Pasqualetti用一季的时间证明了一件事：最诚实的时尚，不是关于“穿什么”，而是关于“你是谁” 。当身体成为庙宇，当服装成为建筑，当金属成为肌肤的延伸——那便是一种比任何宣言都更有力的存在方式。